Los condicionantes de la fuerza operativa de la imagen

Cuando en el curso de la realización de una obra de arte, el trabajo adquiere un aura sensible que hace que la imagen se eleve y se diferencie del entorno indeterminado en que surgió se entra en contacto con algo que quisiera definir como la fuerza operativa de la imagen.

Es precisamente realizando un análisis de aquella fuerza operativa presente al estar frente a algunas obras de arte que el artista puede guiarse en el aprendizaje de los procedimientos técnicos para alcanzar resultados inhabituales.

El estudio práctico de los procedimientos técnicos es una manera de adquirir un conocimiento universal que permite crear imágenes muy sofisticadas, capaces de compaginarse de manera sutil con los componentes constructivos de la psicología humana.

Movilizar un entrecruzamiento de sentidos a través de la creación artística es solo posible estudiando las posibilidades visuales que brinda la transformación de la materia. El trabajo artístico es la transformación material efectuada por un cerebro que es a la vez materia con capacidad de pensamiento. Otorgarle la posibilidad de pensar a una imagen es una labor artística fundamental.

La fuerza operativa de una imagen está condicionada por dos determinantes de la percepción visual, el primero es la cultura como un componente histórico adquirido por la herencia social y por el aprendizaje. El segundo condicionante es la unicidad genética de la especie, la biología humana que establece para su sobrevivencia un equilibrio interno.

La representación de este equilibrio muchas veces ha sido buscada por los artistas a través de la creación y corresponde a la búsqueda de una dimensión funcional de la psique.

El aprendizaje escalonado de los procedimientos técnicos solo puede establecerse ligado a esa dimensión última, biológica, profundamente natural, que es la que permite a la obra de arte comunicar su mensaje a seres humanos desde el pasado, hacia el futuro e independientemente de la cultura.

Beatriz González - El ocaso de una matrona duchampista en Colombia

La obra conjunta de Simón Hosie y Beatriz González ha generado un interesante debate en el blog Esfera Pública, aunque en dicha discusión Jaime Iregui, el moderador del blog, olvidó publicar un comentario final que realizó Apuntes Críticos.

En dicho comentario expresábamos que el crítico de arte Lucas Ospina hacía campantemente referencia a lo “horribles” que eran las pinturas de Simon Hosie olvidando mencionar algo fundamental: lo “horribles” que son también las pinturas de Beatriz González.

Como director de Apuntes Criticos quisiera felicitar por este medio a Simón Hosie por su gran obra social, de la cual interpreto que recurre al duchampismo mas excelso para terminar suministrándole un poco de su propia medicina a la rosca artística bogotana.

Me parece una excelente lección dada a Beatriz González, pintora que incluso ha dado declaraciones mediáticas como que la pintura ya no tiene por qué tener lugar hoy en día entre los jóvenes. Esto lo escuché de esa señora en un video realizado por el Vicio-producciones sobre arte colombiano.

¿Qué podemos esperar de los pintores consagradas de Colombia? De verdad, señora González ¿entonces usted para que pinta? No porque pinte mal, eso se le perdona a todos los pintores, nadie es perfecto, sin embargo siendo pintora ¿no le parece incoherente que declare públicamente que la pintura es obsoleta?

Sin tener en cuenta la influencia de todos los libros donde aparece, muchas veces me he preguntado si existirá al menos un espectador que realmente tenga una emoción sincera frente a un cuadro de esa señora.

Lucas Ospina resalta igualmente los ataques de González a Botero. La envidia es grande y demuestra como González es una de las matronas principales de las generaciones posteriores de artistas anti-Boterianos que abundan por montones en las academias bogotanas. ¿Qué más se puede decir? Estamos ante el ocaso de todo un tipo de arte.

Esperemos que Simón Hosie siga sorprendiendo mediáticamente de esa forma en los próximos meses para que se consolide más.

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Pd. Sobre el estado de la educación artística contemporánea, recomiendo este artículo y debate del blog Lerias Varias, uno de los blogs más importante en habla hispana sobre arte actualmente. Allí siempre se encuentran ideas críticas, agudas y refrescantes del pintor y analista cultural Anxo Varela.

Del Realismo mágico al Realismo grotesco en las artes colombianas.

Editorial

En 1925 Franz Roh, crítico alemán concibió la noción de "Realismo mágico" para definir una serie de obras artísticas donde podía observarse espacios reales que mostraban características mágicas, extraordinarias e irracionales. Como es sabido, luego de la segunda guerra mundial, el término Realismo mágico permitió definir las obras de una serie de artistas de origen hispano interesados en mostrar ciertos aspectos únicos de la realidad cultural Latinoamericana.

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Durante las últimas décadas, en Colombia, el Realismo mágico como disposición creativa ha dado paso a un nuevo tipo de tendencia artística que indaga sobre otros aspectos de la identidad cultural del país, a través de la puesta en escena de lo grotesco.

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Quisiera analizar aquí de manera corta el término “Realismo grotesco” que deseo utilizar para definir un gusto artístico por todo lo que visualmente es carente de escrúpulo y de delicadeza. El Realismo grotesco como noción estética puede aplicarse a las manifestaciones artísticas colombianas en literatura y en artes plásticas contemporáneas que se encuentran bañadas por una realidad descompuesta, corrompida, a veces putrefacta. La obra de arte nacional haciendo referencia al contexto cultural del cual nace se concibe a sí misma como vulgar, chabacana, grasosa, ligada a lo absurdo y a lo risible.

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En el arte colombiano, el Realismo grotesco se asemeja a una fuerza viva y puede identificarse en una gran variedad de manifestaciones artísticas actuales que no se reivindican necesariamente como haciendo parte de un movimiento especifico pero que pueden identificarse como pertenecientes a una misma tendencia cultural.

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Ligado a lo popular, tempranamente el Realismo grotesco tiene como antecedente primordial las pinturas de Fernando Botero, aunque se hace presente con más fuerza en el color y en el acabado de las obras de Beatriz González. Las declaraciones sobre arte de Antonio Caro son igualmente grotescas, los cambuches en salones nacionales y en la alianza francesa de María Teresa Hincapié también lo fueron. Otros ejemplos de Realismo grotesco son los performances holísticos de Fernando Pertuz, las defecaciones de papas de coca efectuadas por Wilson Díaz y la algarabía en el portal Esfera Pública sobre los collages de Lucas Ospina que muestran al alcalde de Bogotá contemplando detritus. Los dibujos hechos con indigentes sobre paredes blancas de Rosemberg Sandoval junto a la lengua de difunto que carga como collar hacen también parte del Realismo grotesco. Las acciones marginales de Edwin Sánchez quien destruye los andenes nacionales y el tugurio en la plaza de Bolívar creado por las manipulaciones del joven Simón Hosie son también importantes ejemplos grotescos. En ese sentido, valorado por diarios nacionales como El Espacio y EL Tiempo, el “ocurrentismo grotesco” es un subgénero de las artes plásticas nacionales contemporáneas actualmente en alza.

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En cuanto a obras en literatura, el representante inicial del Realismo grotesco es Andrés Caicedo con sus cuentos plagados de jóvenes drogadictos, aunque por su puerilidad esta tendencia resulta en sus escritos aún algo incipiente. El culto adolescente a Caicedo por parte de hordas juveniles de estudiantes de arte de las clases acomodadas de Bogotá es en sí mismo un hecho grotesco. De corte mucho más agrio, los poemas masturbatorios de Raúl Gómez Jattin así como los escritos de Fernando Vallejo son un súmmum de la realidad sexual y grotesca del país.

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Evidentemente el Realismo grotesco al nacer de la actual realidad colombiana permite ligar toda una serie de prácticas artísticas que denotan un rasgo propio de la identidad nacional. Este tipo de tendencia hace celebre hechos culturales que muestran un fuerte componente de bastedad y de ordinariez. Finalmente, lo grotesco aparece en Colombia ligado a lo “Hechizo”, esta ultima noción útil para designar objetos confeccionados manualmente de manera poco fiable y que pueden resultar peligrosos a la hora de utilizarlos: “el sicario se mató con una pistola hechiza” por ejemplo.

Escultura egipcia póstuma de Ramses Prince Michael Jackson II

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Hace más de tres mil años en Egipto un escultor realizó una imagen visionaria del rey del pop. Un ejemplo más de las capacidades metafísicas y visionarias del arte de todos los tiempos. (La escultura es antigua y es real. Esto viene al cuento de las imágenes del fantasma de Jackson captadas recientemente).

Sobra la referencia a las posibilidades fantasmáticas de la representación.

Jack Balas

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Antonio Diaz - Erotic vocabulary

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Foto de Vincent Van Gogh

Hace algunos años apareció la extraña noticia que se había hallado una foto de Vincent Van Gogh en edad adulta. Hasta entonces solo se conocían dos fotos del artista tomadas cuando tenía 13 y 19 años. El museo Van Gogh de Ámsterdam desmintió la veracidad del documento encontrado pero científicos estadounidenses dicen haber realizado estudios que comprueban que si se trata de un retrato original del artista. La imagen es en todo caso perturbadora.

Vision of Hell

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Monster movie’ baseball game posters

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Entrevista a A.C.

Entrevista a Apuntes Críticos, a partir de preguntas de la autoría de Francesca Bellini.

"¿Para qué sirve el arte?"

En lo que se refiere al “arte contemporáneo” es util para buscar subvenciones, becas y sueldos de los estados. Sin embargo en otras épocas el arte (a secas) servía para expresar, a través de imágenes enérgicas, el interior de la psique del ser humano.

"¿El arte y la política deben mezclarse?"

Algunos quisieran creer que están mezclados. Los que creen eso son por lo general los “artistas” que no tienen un conocimiento en profundidad de un oficio definido.

"¿Ha llegado la hora en que los políticos sean reemplazados por los artistas?"

Desde hace algunas decadas los políticos han reemplazado a los artistas, pero no creo que el fenómeno se dé al contrario. De pronto puede haber casos aislados de personas que cambian de profesión.

"¿Cree usted que el arte es una forma válida de activismo?"

Sí, porque toca ser muy activos en el taller para hacer algo que valga la pena. Requiere todo el activismo posible para concentrarse en crear imágenes sensibles, que es la labor principal del artista.

"¿Debe haber ética en el arte?"

Si debe haber ética en el arte.

"¿El arte es una forma de lucha?"

Si, el arte es una forma de lucha. Por ejemplo el artista que intenta aprender a manejar los útiles informáticos para realizar imágenes en tres dimensiones lucha enormemente. Steven Spielberg en cada película entabla también una lucha enorme. Igualmente, el pintor lucha con sus oficios día a día.

"¿Se considera un artista político o un artista crîtico?"

En mi actividad artística, esas nociones (político o crítico) tienen muy poca relevancia, tanto como podrían tenerla para el artista de las cavernas, para Rembrandt, para Picasso o para un creador de Pixar. Nosotros, los creadores de imágenes estamos ocupados en otra cosa. Esas nociones se las dejamos a quienes pretenden charlas eruditas, fácilmente revocables. Es muy fácil considerarse artista crítico o político. Casi siempre permite justificar obras pésimas.

"¿Para qué hace su obra?"

Para ocupar mi tiempo en hacer algo que me gusta y poder compartirlo con los demás.

"¿Cuáles son sus artistas preferidos?"

Es una lista larguísima.

"¿A quién censuraría si pudiera?"

A nadie. Debe haber un equilibrio entre los que mienten y los que dicen la verdad.

"¿Qué le molesta del mundo en que vivimos?"

A nivel general todos los males del mundo. Si me pregunta a nivel de la profesión artística me molesta la explotación constante a los artistas (de parte de los galeristas, de las editoriales etc). Pero sobretodo lo que más me molesta es la desvalorización generalizada de la profesión causada basicamente por quienes con sus discursos han hecho que nadie crea en las artes plásticas actuales. Aunque, en la industria las cosas están cambiando. El arte hace tiempo está en el diseño, en la animación, en el cine y en los juegos de video. Ese es el arte de esta época. La otra línea, la que sigue a Duchamp y todas sus variaciones latino-americanizadas es un capítulo que los teóricos e historiadores debemos comenzar a olvidar. Y entre más pronto lo hagamos mejor.

"¿Tenemos esperanzas de salir del atolladero?"

Así como en el mundo hay gente que tiene por negocio la guerra, en el arte hay toda una configuración cuyos gestores tienen como negocio que en el arte no se puedan cambiar las cosas, es su forma de vida. Pero ciertamente cambiarán. Hay que seguir trabajando en esa vía.

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Shannon Cannings - Homo Ludens

"El juego está fuera de la disyunción sensatez – necedad, pero también del contraste verdad – falsedad, bondad – maldad, porque no es una función moral, en él no se dan ni virtud ni pecado. Más bien entra en el dominio de lo estético, porque tiende a acompañarse de toda clase de elementos de belleza. Todo juego es, antes que nada, una actividad libre. El juego por mandato no es juego sino una réplica de un juego: El juego es libre, es libertad. No es la vida corriente, o la vida propiamente dicha, más bien consiste en escaparse de ella a una esfera temporal de actividad que posee su propia tendencia, que puede absorber por completo, y en cualquier momento, al jugador. La oposición “en broma” y “en serio” oscila constantemente, el valor inferior del juego encuentra su límite en el valor superior de lo serio. Por su valor expresivo y por su significación funciona realizando conexiones espirituales: el juego humano, en todas sus formas superiores, cuando significa o celebra algo, pertenece a la esfera de la fiesta o del culto, la esfera de lo sagrado, se aparta de la vida corriente por su lugar y por su duración, estar encerrado en sí mismo es otra de sus características, siempre se juega dentro de determinados límites de espacio y tiempo, agota su curso dentro de sí mismo: Este comienza y, en determinado momento, ya se acabó. Terminó el juego. Mientras se juega hay movimiento, un ir y venir, un cambio, una seriación, enlace y desenlace, y después permanece en el recuerdo como creación o como tesoro espiritual, es transmitido por tradición y puede ser repetido en cualquier momento, otra de sus propiedades esenciales. Todo juego se desenvuelve dentro de su campo que, material o idealmente, de modo expreso o tácito, está marcado de antemano. De esta manera, no hay diferencia entre un juego y una acción sagrada, ya que ésta se desarrolla en las mismas formas que el juego, tampoco el lugar sagrado se diferencia formalmente del campo lúdico: el estadio, la mesa de juego, el círculo mágico, el templo, la pantalla, son todos ellos, por la forma y la función, campos de juego, es decir terreno consagrado, dominio santo, cercado, separado, en los que rigen determinadas reglas; son mundos temporarios dentro del mundo habitual, que sirven para la ejecución de una acción que se consuma en sí misma." (1)

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Link a las obras de Shannon Cannings.

Bhart Kher - Proyecto Gran simio

"El Proyecto Gran Simio (PGS), fundado en 1993, reclama una extensión del igualitarismo moral para que incluya a todos los grandes simios. Esto incluye a las especies de los chimpancés, los gorilas, los bonobos y los orangutanes. El PGS es una organización internacional de primatólogos, psicólogos, filósofos y otros expertos que promueven una Declaración de los Derechos de los Grandes Simios de las Naciones Unidas que otorgaría ciertos derechos morales y legales a los grandes simios, incluyendo el derecho a la vida, la protección de la libertad individual y la prohibición de la tortura. La organización también monitoriza la actividad individual de los grandes simios en Estados Unidos a través de un programa de censo. Una vez establecidos los derechos, el PGS exigiría la liberación de los grandes simios de su cautividad; actualmente hay 3100 en Estados Unidos, incluyendo 1280 en investigación biomédica. " (1)

Link

Vida diaria

Vida diaria en Montreal, link.

Ridicula Rediviva

link
(de Hanuman)

Nicole Eiseman - Pintura, pintura

A través del gesto pictórico, la traducción instintiva de pulsiones vitales se sigue manifestando desde hace cuarenta mil años con gran fuerza.
Habíamos pasado hace dos años la obra de Allison Schulnik que sigue siendo una de nuestras artistas de cabecera. Hoy traemos el trabajo de Nicole Eiseman, quien tiene algunas pinturas que vale la pena salvaguardar a través de los nuevos recipientes numéricos; el arte sigue siendo el mismo siempre.Link.

Pd.De la Galería Leo Koenig vale la pena mirar también las obras de Les Rogers.

Igualmente los trabajos de Ridley Howard

Y Tom Sanford

También en esa misma página hay muchos otros artistas de interés.

Me parece interesante comenzar a rastrear toda esta nueva ola de pintores que reanudan el trabajo artístico con las tradiciones pictóricas del pasado y que de alguna u otra forma se oponen a las versiones más convencionales del arte oficial contemporáneo. Toca seguir en la jugada. Aquí en Montreal he visto unas galerías en este tipo de espíritu. ¡El arte està cambiando por fin!

Deborah Sengl - A quien no quiere caldo se le dan tres tazas

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Obras de Deborah Sengl, link